02 Januar, 2018

Filmgrafikblog



Ich habe gestern ein Filmgrafik-Blog eingerichtet, auf dem ich Plakate poste, die mir bemerkenswert erscheinen – kreuz und quer durch die Film- und Designgeschichte.

(Das Bild oben zeigt Gerwin Schmidts ersten Entwurf für ein Festivalplakat für FALSCHER BEKENNER, das letztlich nicht zum Einsatz kam. Die Credits sind fiktiv.)

01 Januar, 2018

Zwanzig Jahre Revolver

Revolver feiert 2018 seinen 20. Geburtstag. Ein hohes Alter für eine Filmzeitschrift. Ich reibe mir selbst verwundert die Augen. Am 15.03.1998 sind drei* von uns aus München mit dem Kombi in den Norden aufgebrochen, um Lars von Trier und seine damalige Produzentin Viebeke Windeløw und in Kopenhagen zu interviewen. Das war der Startschuss. 

Wir wollten das Lernen selbst in die Hand nehmen damals, und wir wollten von Leuten lernen, die wir für ihre Arbeit bewunderten. Die Zeitschrift war zu Anfang so etwas wie die Suche nach Wasser - die Münchner Filmhochschule schien uns wie eine Wüste, voller Leute, die von Dingen redeten, die sie nicht selbst erfahren hatten und vermutlich nie erfahren würden. Also zogen wir aus, die Macher zu befragen, deren Filme uns wirklich bewegten. 


Mit Lars von Trier sprachen wir über IDIOTEN und das Dogma 95, einen Text, den Revolver dann als erste Zeitschrift in Deutschland veröffentlicht hat. Guru, der er ist, hat uns Lars von Trier damals gefragt, ob wir die „Bruderschaft” nicht nach Deutschland tragen wollten, als Missionare eines neuen Films gewissermassen, aber daraus ist dann nichts geworden, auch weil wir in der Redaktion nie jenen Grad an Übereinstimmung hatten, der für diese Art von Agitation notwendig ist. Den Film zu „uniformieren”, wie es das Dogma forderte, wollte uns nicht einleuchten, und so hat sich schon im ersten Heft jene Vielstimmigkeit entwickelt, die Revolver noch heute ausmacht. Anfang Juni 1998 ist die schwarze Nummer 1 dann endlich erschienen, im Dezember 2017 Ausgabe 37.




Wir wollten - und wollen - ein Forum sein für einen lebendigen Film der Gegenwart, der sich seiner Wurzeln bewusst ist, ohne sich vom Kino der alten Meister einschüchtern zu lassen. Aber wir mussten bald feststellen, dass sich ein Forum nicht von selbst füllt, ja dass das Bedürfnis, sich zu äussern, in Deutschland nicht sehr entwickelt ist. „Freiwillige” Beiträge gab es zunächst eher selten, und seltener noch solche, die zu unserem Anspruch passten, eine Theorie der Praxis zu entwickeln. Wir wollten eine Plattform sein für Positionen zum Film, die dem Leser, anderen Filmemachern, uns, helfen, selbst Position zu beziehen. Es sollte darum gehen, den deutschsprachigen Film bzw. die Filmpraxis selbst zu beeinflussen. „Wir glauben an einen Zusammenhang zwischen dem Niveau einer Diskussion über Film und den Filmen selbst” so haben wir es einmal formuliert, wobei wir eben nicht die „schöngeistige”, feuilletonistische Diskussion meinten, sondern die Diskussion unter Gleichen, den Abgleich von Erfahrungen, den Transfer von Wissen, der sich an den Filmhochschulen eben nicht befriedigend organisieren liess. An diesem großen Bündel von Ansprüchen haben wir mal schwerer, mal leichter getragen; die Hefte sind so auch zum Protokoll einer Suche geworden nach den Filmen, die wir selbst machen wollten. Und sicherlich begegnet man so mancher Erkenntnis - und manchem Irrtum - dem Revolver seither Raum gegeben hat, in unseren Filmen und in den Filmen unserer Leser wieder.

Mit den Jahren ist natürlich dann doch so etwas wie ein inhaltlicher Kern entstanden, und wir, die wir mittendrin stecken, können ihn vermutlich nicht so präzise benennen wie der „neutrale” Leser. Aber in jedem Falle gehört zu diesem Kern die Annahme, dass es die Chance Europas ist, radikale Filme zu machen. Das heisst aber gerade nicht, sich von Hollywood in eine Nische drängen zu lassen. Wer genau hinsieht, wird bemerken, dass es der Hollywoodfilm ist, der sich allenthalben auf die Füße tritt - so eng ist das Revier - während weite Ebenen des Films brach liegen. Aber in diese Weiten wollen wir! Wir streiten für einen persönlichen Film, einen Film, der aus dem Standpunkt eines Autoren hervorgeht - im Unterschied zu dem Industrieprodukt, das mit einer Zahl im Kopf beginnt. Und wir glauben, dass sich dieser persönliche, radikale, europäische Film verbünden muss, um überleben zu können. Deshalb tauchen in unseren Heften immer wieder kooperative Strukturen auf, Familienmodelle und Freundschaftsbande. Über alle weiteren Fragen, ästhetisch, dramaturgisch, politisch, sind wir uns letztlich nie einig gewesen - und das wird auch (hoffentlich) so bleiben.

Revolver ist kein kommerzielles Projekt. Es gibt keine Anzeigen, keine Werbung, keine Bezahlung, keinen Gewinn. Aber wenn wir uns zum 20. Geburtstag etwas wünschen dürfen: wir würden die Zahl unserer Abonnenten gerne vergrößern. Abonnent zu werden ist einfach und preiswert.

Schreiben Sie mit dem Betreff „Revolver” an info[at]etk-muenchen.de, und teilen Sie formlos mit, dass sie die Zeitschrift abonnieren möchten. Postanschrift nicht vergessen. Revolver erscheint halbjährlich und kostet 13 Euro im Jahr, zuzüglich Porto. Das Abonnement verlängert sich, sofern es nicht gekündigt wird. 


Die aktuelle Ausgabe.

* mit dabei waren Benjamin Heisenberg, Christoph Hochhäusler und Peer Klehmet (der allerdings am Heft selbst nicht mitgewirkt hat). Nicht in Kopenhagen, aber Mitbegründer des Projekts waren damals auch Sebastian Kutzli (Ausgabe 1-7) und Jens Börner (Ausgabe 2-28). Heute wird Revolver im Kollektiv herausgegeben von (in alphabetischer Reihenfolge) Benjamin Heisenberg, Christoph Hochhäusler, Franz Müller, Marcus Seibert, Nicolas Wackerbarth, Saskia Walker. Weiterhin gehören der Redaktion an: Hannes Brühwiler, Istvan Gyöngyösi, Zsuzsanna Kiraly, Cécile Tollu-Polonowski. Revolver erscheint im Verlag der Autoren, Frankfurt.

www.revolver-film.de

www.facebook.com/theoriederpraxis/
www.verlagderautoren.de

26 Dezember, 2017

Wahlverwandtschaften

Plakat für eine Filmreihe in Bologna, 2008.

2006 bin ich gebeten worden, in einem Vortrag zu erklären, was die Filme der „Berliner Schule” (möglicherweise) gemeinsam haben bzw. hatten. Das war mein Stichwortzettel:

- Persönliche Perspektive (Unsere Gegenwart: das eigene Erleben als Ausgangspunkt.)

- Erzählerisches Risiko (Die Filme sind in ihren Mitteln der Moderne verpflichtet: der Zuschauer soll selbstbewusster Interpret einer Erfahrung sein. Fragmentiertes Erzählen, Wiederholungen, minimalistische Handlungslinien kommen im Sinne einer Rekonstruktion des eigenen Empfindens und mitunter experimentell zum Einsatz. Realismus heißt hier immer auch: dem Alltag verpflichtet, den man erkennen bzw. neu sehen möchte.)

- Elliptisches Erzählen (Auslassungen geben dem Zuschauer Raum; das oft Gesehene, zum Klischee gewordene wird nur noch angedeutet oder zugunsten des Vernachlässigten, Peripheren weggelassen. Die perspektivische Funktionalisierung aller Teile wird abgelehnt, weil sie den Charakteren – wie den Zuschauern – Freiheit und damit Würde nimmt.)

- Minimalistischer Ausschnitt (Die Filmzeit geht in der Regel über Tage und Wochen nicht hinaus, ohne dass mit der zeitlichen Dichte eine entsprechende Dramatisierung einherginge.)

- Echtzeit (Lange Einstellungen schaffen an zentraler Stelle neue, nicht-narrative Bezugsräume, die mehr auf sinnliche Gegenwart als auf ein konstruiertes Erzählziel ausgerichtet sind.)

- Bürgerliches Leben (Die meisten Filme spielen in Mittelklassemilieus und sind damit mehr oder weniger identisch mit der unmittelbaren Erfahrungswelt der Filmemacher; gleichzeitig spielen das Bürgertum und seine Grenzen und Begrenzungen auch inhaltlich eine wichtige Rolle. Die Kritik verbirgt sich in der Genauigkeit der Beobachtung.)

- Implizit politisch (Den Filmen ist ein Begriff des Politischen gemeinsam, der sich eher in der rigorosen Handhabung der Mittel als thematisch äußert. Sozialdramen, „Problemfilme” oder Polit-Propaganda werden abgelehnt, weil Thesen und Behauptungen einer offenen Beobachtung entgegenstehen.)

- Statische Charaktere (In den wenigsten Filmen machen die Figuren eine echte Entwicklung durch, ganz im Gegensatz zum klassischen Erzählfilm, in dem die Hoffnung auf Verwandlung eine zentrale – und oft unglaubwürdige – Rolle spielt.)

- Opake Oberfläche Mensch (Die Filme orientieren sich an unserer alltäglichen Erfahrung, dass man nicht wissen kann, was der Andere denkt. Der psycho-logischen Schlüssigkeit des klassischen Erzählkinos setzen sie rätselhafte Bewegung entgegen: Figuren, die nicht wissen, was sie tun.)

- Gegen-Identifikation (Eine „positive” Hauptfigur, die eindeutige Identifikationsangebote macht, fehlt in den meisten Filmen. Es geht vielmehr darum, einen Menschen von Außen, in seiner Widersprüchlichkeit zu sehen. Eine pauschale Parteinahme wäre da nur hinderlich.)

- Reduziertes Schauspiel (Weil das „Schau”-Spiel durch Fernsehroutine und Hollywood-Konvention verdächtig geworden ist, gibt es die Tendenz zum „kalten Spiel”: eine minimalistische, an der deutschen Alltagserfahrung orientierte Spielweise. Viele Filme setzen zudem auf Laien als Darsteller, oder benützen Improvisationstechniken, um statt „Schauspielkunst” eine natürliche Anmutung zu erreichen.) 

- Rauschen der Zeit (Die Filme interessieren sich für den reinen filmischen Moment, für Gesten und Körperhaltungen, für das Schauen selbst – oft auf Kosten des Dialogs, der, wenn er auftaucht, in der Regel nicht handlungsführend ist, sondern eher „Geräusch”.)

- Leise Töne (Musik und Geräusch werden nicht zur „erpresserischen” Emotionalisierung benutzt, sondern beschreiben die Lebenswelt der Charaktere – Stichwort „Source-Musik” – oder begleiten kontrapunktisch, im Gegensatz zur Hollywood-Praxis, in der die Musik das Publikum wie ein „Hirtenhund” in die „richtige Richtung” jagt.)

- Konzentration (Nicht Zerstreuung, Sensation, Exotik stehen im Mittelpunkt, sondern die konzentrierte Seherfahrung, wie sie nur im Dunkel des Kinosaales möglich ist.)

23 Dezember, 2017

Erste Liebe (2)

 Noch ein paar Skizzen von Städten und Filmen:

Imaginierter Blick auf Rom, ca. 2000.

Fußgängerzone, ca. 2002.

Skizzen für MILCHWALD, ca. 2002.

Visuelle Notizen zu dem aufgegebenen Projekt ALLESFRESSER, ca. 2006.


16 Dezember, 2017

Es lebe die Freihei

Früher, manche erinnern sich noch, wurde überall geraucht: im Flugzeug, im Kino, sogar im Krankenhaus. Und während Alkoholismus weiter als Genuss verstanden wird, sind Zigaretten inzwischen auf dem Rückzug, „weil sie tödlich sind”. Ich sehe das als ewiger Nichtraucher ambivalent. Klar, saubere Luft ist mir lieber. Aber ich finde, es geht den Staat nichts an, was wir uns antun.

Die Anti-Tabak-Politik ist Ergebnis erfolgreicher Lobby-Arbeit, vor allem in den USA. Dabei ging es sehr früh übrigens auch darum, Zigaretten aus den Filmen zu drängen. Das schlagende Argument war, dass es zur Nachahmung reizt, wenn gut aussehende Schauspieler in Filmen so schön rauchen. Man hat ausgerechnet, dass (statistisch gesehen) im Kino doppelt so viel geraucht wurde als im Leben. Eine Unverhältnismässigkeit, für die die Tabakindustrie gerne bezahlt hat. 


Eine zensierte Zigarette im südkoreanischen Fernsehen.

Die erste Forderung war die nach einer Quote: es sollte im Kino nicht mehr als im Leben geraucht werden. Später forderte man, nur in Filmen für Erwachsene solle das Rauchen noch erlaubt sein. Die letzte Forderung ist noch nicht durchgesetzt, aber das Argument der Repräsentation hat reüssiert, obwohl es auf eine erschütternde Art blöde ist: Es läuft auf die Logik der Überwachung hinaus. Viele Quoten später hätte sich das Kino abgeschafft, weil es unser Leben „perfekt” repräsentiert. Das ist kein Witz: es gibt noch viele andere Repräsentationsmißstände, die nach einer Quote schreien. 

Zum Beispiel: Die Häufigkeit, mit der „fremd aussehende” Schauspieler Gewalttäter oder Elendsfiguren spielen müssen in deutschen Filmen, steht in keinem Verhältnis zum tatsächlichen Anteil von Einwanderern an Kriminalität und Teilhabe. Der Anteil homosexueller Beziehungen ist deutlich unterrepräsentiert. Und wie kann es sein, dass wir gefühlte 1000 deutsche Spielfilme über die Nazizeit haben, aber keine Filme über die Täter? Brauchen wir eine Täterquote für Filme über die NS-Zeit?

Auch für die Teilhabe Kreativer aus sozial benachteiligten Schichten könnte man eine Quote gut rechtfertigen. Und wie wäre es mit einer Religionsquote? Eine Quote für Behinderte? Eine Quote für Legastheniker? Alles berechtigte Anliegen. 

Wer jetzt sagt, ja, aber Frauen sind doch wichtiger als ... eine filmende Unterschicht – hat nichts verstanden. Es ist verdammt schwer zu beweisen, dass der gesellschaftliche Nutzen eines sozialen Nachteilsausgleichs kleiner wäre als der einer gleichmässigen Repräsentation der Geschlechter. 

„Die Grenze verläuft nicht zwischen links und rechts, sonder zwischen oben und unten.” - hiess es früher. Quoten sind ideologische Werkzeuge, die sich neutral geben. Das passt zu unserer Zeit, in der auch dann noch von Strukturen die Rede ist, wenn man längst über Inhalte sprechen müsste. (Pro Quote Regie jubelte, als „Fifty Shades of Grey” Nummer 1 an der Kinokasse war. Denn der Film stammt von einer Frau.) 

Viel wichtiger als eine Quotierung ist es aus meiner Sicht, darüber zu streiten, welche Filme wir machen sollen – und welche nicht. Aber das wäre dann eine Debatte, bei der man nicht sauber bleiben kann.

Wie so viele glaube auch ich, dass der Anteil der Frauen im Regieberuf (zum Beispiel) etwas aussagt über den Stand der Dinge in Sachen Gleichberechtigung, dass ein ausgewogeneres Verhältnis der Geschlechter nicht nur dort wünschenswert wäre. Aber den Anteil fest zu regeln halte ich für problematisch. Schaut, wird man dann sagen, so gleichberechtigt sind wir. So sehr sich der Anteil als Indikator eignet, so wenig ist er identisch mit dem Problem. Nicht die unausgewogene Verteilung ist das Übel, sondern das Übel (patriachaler Denktradition z.B.) führt zu einer unausgewogenen Verteilung. Ich bezweifle, dass sich das falsche Bewusstsein induktiv aufheben lässt. 

Noch etwas sollte uns zu denken geben: die schlechten Erfahrungen, die in Deutschland bereits mit Quote gemacht wurden, in zahllosen Gremien. In den Rundfunkräten zum Beispiel, die stets nach Proporz besetzt wurden: soundsoviele Kirchen- und Gewerkschaftsvertreter, soundsoviele Sitze für diese oder jene Partei. Diese Art der Repräsentationsdenke führt jedenfalls zuverlässig dazu, dass nicht die besten Köpfe bestimmte Funktionen innehaben, sondern allenfalls die besten Köpfe innerhalb einer proportional berechtigten Gruppe. Was regelmässig zu wenig ist.

Ich fürchte also, und ich weiss, das ist nicht fair, wir müssen darauf hoffen, dass die (relativ) wenigen Frauen in den nächsten 30 Jahren bessere Filme machen als die vielen Männer – aufregender, genauer, riskanter  – um das Feld für ihre normal begabten Schwestern zu bereiten. Und wenn man sich den deutschen Gegenwartsfilm ansieht, ist das womöglich schon der Fall: die Filme von Angela Schanelec, Valeska Grisebach und Maren Ade zum Beispiel gehören zum besten, was der deutsche Film zu bieten hat. Übrigens sind alle drei (so wie der überwältigende Rest deutscher Filmemacher) aus dem Westen, weiss, hetero und obere Mittelklasse. Aber daran denke ich so wenig wie an ihr Frau-sein, wenn ich ihre Filme sehe. Und ich hoffe, Sie auch nicht.

09 Dezember, 2017

Erste Liebe

Meine erste Leidenschaft war das Zeichnen – und spielt in der Annäherung an filmische Vorhaben noch immer eine gewisse Rolle. Hier sind ein paar Beispiele aus meinen Vorbereitungsbüchern zu PULS (Kurzfilm, Zeichnung aus dem Jahr 1999), MILCHWALD (2002, damals noch in Cinemascope geplant) und FALSCHER BEKENNER (Zeichnung von 2004).






05 Dezember, 2017

'Dialog'

- Der Erfolg gibt uns recht.

- Der Feind ist die Angst.

- Der Erfolg gibt uns recht.

- Der Feind ist die Angst.

- Der Erfolg gibt uns recht.

- Der Feind ist die Angst.

- Der Erfolg gibt uns recht.

Vorrede

Begrüßung etc.

als gebürtiger Münchener, der Spielfilme macht, dachte ich, es wäre gut, diese kleine Vorrede nicht alleine zu halten, und möchte deshalb Thomas Heise auf die Bühne bitten, geboren in einem anderen Land: der DDR, einer anderen Generation angehörig und einer, der Dokumentarfilme macht. 


Wir sprechen heute als zwei einer großen Gruppe von Regisseurinnen und Regisseuren aus West und Ost dieses Landes. Wir alle wollen, dass sich etwas ändert. Und darum haben wir am 1. Mai 2017 Frau Grütters einen Brief geschrieben. 

Dieser Brief geht so: 

„Die Berlinale ist eines der drei führenden Filmfestivals weltweit. Die Neubesetzung der Leitung bietet die Chance, das Festival programmatisch zu erneuern und zu entschlacken. Wir schlagen vor, eine internationale, zu gleichen Teilen mit Frauen und Männern besetzte Findungskommission einzusetzen, die auch über die grundlegende Ausrichtung des Festivals nachdenkt. Ziel muss es sein, eine herausragende kuratorische Persönlichkeit zu finden, die für das Kino brennt, weltweit bestens vernetzt und in der Lage ist, das Festival auf Augenhöhe mit Cannes und Venedig in die Zukunft zu führen. Wir wünschen uns ein transparentes Verfahren und einen Neuanfang.”

Vier Monate später, am 15.09.2017, haben wir uns mit Frau Grütters zum Gespräch getroffen, einen Steinwurf von hier entfernt, und eines der Ergebnisse ist diese Veranstaltung heute.

Seit 24.11.2017 ist der Brief öffentlich.

Im Mai war er von über 50 Kolleginnen und Kollegen unterzeichnet worden, inzwischen gibt es weitere Unterschriften, zur Zeit 81 *. Wir sind 2 aus 81, sprechen aber nicht für diese Gruppe … 

Was wir im Folgenden zu sagen haben, ist unsere persönliche Sicht auf die Sache.

In der Hoffnung Anstöße zu geben für die weitere Diskussion, in der Hoffnung wirklich ins Gespräch zu kommen, beginnend ausgerechnet hier in der schwangeren Auster, der schönen Antwort auf die schöne Stalinallee, passend schon deshalb, weil die Berlinale ein Kind des Kalten Krieges ist. Begonnen als „Schaufenster der freien Welt” mitten im kommunistischen Lager.

Es geht den Unterzeichnern des Briefes um die Zukunft der Berlinale und einen transparenten Weg dorthin. 

Ich bin nicht hier, um Lösungen zu präsentieren. Aber ich persönlich glaube, dass es keinen Sinn hat, über die Zukunft nachzudenken, ohne sich auf die Gegenwart und jüngere Vergangenheit dieses Festivals zu beziehen.

Ein Festival, von dem viele hier wie ich auch, profitiert haben, ohne dass sich daraus notwendig Dankbarkeit ergibt. 

Wir sind einverstanden mit der Welt, denn sie ist unser Material, und von dieser Welt handelt unsere Arbeit, unsere Kunst. Das andere ist der ökonomische Hintergrund vor dem die letztlich verhandelt wird. Als Ware.

Konkret:

Was uns stört, nicht nur an der Berlinale, sondern auch am deutschen förderfernsehindustriellen Komplex mit der Berlinale als Flagshipstore (um Harun Farocki zu variieren) ...

Was uns stört an der Berlinale ist die Vernunft die dort praktiziert wird. Wie die Rollen verteilt sind. 

Ich will das erklären. Nehmen wir an, Sie bekommen 3000 oder 4000 Filme geschickt. Und 1000 weitere sichten Sie auf der großen Safari.

Welche wählen Sie aus?

In der Berlinale geht es sehr vernünftig zu.

Da ist ein Star dabei. Der soll den Teppich schmücken.
Dieses Thema ist in den Schlagzeilen. 
Zu diesem Jahrestag müssen wir was machen.
Das ist Medienboard-gefördert (das ruft auch immer an): 
Oder Arte (immerhin ein Sponsor!). 
Die hat letztes Mal gewonnen. 
Und von diesem Produzenten wollen wir noch diesen anderen Film.
Das ist der erste schwule Film aus diesem Land.
Das ist ein revolutionärer Ansatz in der veganen Küche.
Nehmt ruhig ein paar mehr, sagt das Stadtmarketing.
Meinen. Sagt ein berühmter Regisseur, man kennt sich.  
Dieses Land hatten wir noch nie. 
Das ließe sich zu einer Reihe zusammenfassen. 
Und dem können wir nicht absagen. 
Oder: ... das machen wir nicht mehr, diese „Farbe“ hatten wir schon.

Und so gibt es eine Fülle an guten Gründen auf diesem Festival. Oft wäre es schlicht unvernünftig einen Film nicht zu zeigen – nur weil er ein bisschen auf Nummer sicher geht

Man kann das verstehen. Auch Filmemacher haben ihre Gründe.

Und allmählich ergänzen sich all die Vernünfte, wenn man das so eine Weile treibt. Kapitalismus lebt von Wachstum, und es wächst und wächst das Festival. Und überhaupt: die Zuschauer rennen uns die Bude ein. Aber mit der Vermehrung nimmt keine Vielfalt zu. Es entsteht Brei. 
Bei der Stahlerzeugung entsteht Schlacke als Nebenprodukt. Schlacke ist das überflüssige am Stahl. Die ist schwer herauszubekommen. Wenn die Schlacke aber bleibt, ist der Stahl Scheiße, das weiß jeder, nicht nur in Duisburg.

In der Kunst kann es keinen Frieden geben. Bewegung entsteht aus Konflikt. Das hat Geschichte.

Was wir jetzt auf der Berlinale inhaltlich haben, ist stiller Stand. Was wir ökonomisch haben sind schwarze Zahlen. Dem Ausgerechneten entspricht das Niedliche, sagt Brecht.

Beim letzten Wechsel der Berlinaleleitung war es so: Du bist meine Findungskommission sagte der Staatsekretär. Und der andere Mann hat dann gefunden. Er sitzt heute auf dem Podium. So etwas wie eine Verabredung unter Männern. Das sagt nichts gegen den daraus resultierenden Leiter, aber darüber, wie offenbar der Laden normalerweise läuft. 

Wir wollen etwas Anderes.

„Wir schlagen vor, eine internationale, zu gleichen Teilen mit Frauen und Männern besetze Findungskommission einzusetzen, die auch über die grundlegende Ausrichtung des Festivals nachdenkt.“

…heißt es in dem Brief.

So etwas braucht Menschen, die keine gebundenen Interessen vertreten, Leute die Widersprüche auszuhalten gewohnt sind, die um die Kraft von Widersprüchen wissen, die nichts unter den Tisch kehren. Und es braucht auch – wieder – eine deutliche Verjüngung. 

Die Krisen der Berlinale waren und sind ihre Chance. Auch jetzt.

Ich will eine programmatische Erneuerung der Berlinale. Eine Berlinale, die sich ihrer besten Momente besinnt – und einer der besten war die Gründung des Antifestivals, des späteren Forums, welche das ganze Festival herausgefordert hat, solange es ein Stachel war. 

Langfristig musste es dem Festival darum gehen, das kritische und irritierende Potential des Films mit seiner Breitenwirkung zu verbinden.“ erklärt die Webseite der Berlinale die Einhegung des Forums, das heute eine Reihe unter vielen ist.

Das ist verständlich, übersieht aber, dass der Versuch, alles miteinander zu verbinden letztlich in die Beliebigkeit führt. Die interessiert mich nicht.

Ich glaube, es geht darum, Brüche und Widersprüchlichkeiten, Unvereinbarkeiten nebeneinander bestehen zu lassen, unverbunden. Es geht darum, Kante zu zeigen und zu haben. Ein Festival, das Konflikte zeigt und aushält. 

Dazu gehört übrigens, dass das Podium hier durchgehend mit Westdeutsch-sozialisierten Kollegen besetzt ist. Das ist kein gutes Zeichen. Das ist kein Vorwurf an jedes Einzelne dort und ich höre immer wieder, das spiele 27 Jahre nach dem 3. Oktober 1990 keine Rolle mehr. Tut es aber. Auch dafür gibt es Zahlen. 

Das hat damit zu tun, dass der Berlinale das alte Westberlin samt ihrer Gründungsgeschichte in den Knochen steckt wie den Ossis ihre Geschichte in der DDR und beide werden daraus nicht entlassen werden über mehrere Generationen. Sie schleppen es mit sich herum. Und nur das Wissen darum, enthält die Chance diese Geschichte produktiv zu machen. 

Ich will nicht eins sein mit der Bundesrepublik, ich will nicht ankommen, ich war schon da. Interessant ist eben nicht, eine Einigkeit zu behaupten, sondern unsere Zerrissenheit zu benennen, unsere Differenzen. 

2,7 % beträgt der Anteil Ostdeutscher an den sogenannten Eliten der Bundesrepublik, bei einem Bevölkerungsanteil zwischen 15-20 %. Auf der Berlinale liefen zwischen 2002 und 2016 zwanzig abendfüllende Produktionen von Filmemachern mit ostdeutscher Herkunft. 

Ich rede dabei gar nicht von sozialen Herkünften oder sozialen Handlungsräumen deutscher Filme oder von der Geschlechtergerechtigkeit. Das ist nicht voneinander zu trennen. 

Ich will ein Festival, das sich konzentriert. Das Geheimnis der Langeweile ist es, alles zu sagen, schrieb Voltaire. Das Geheimnis eines langweiligen Festivals ist es, alles zu zeigen. 350 Filme oder mehr.

…die niemand alle gesehen haben kann. Jeder ist auf seinem eigenen Festival. Das macht immun gegen Kritik, vielleicht. Aber Immunität ist genau das das Problem.

Wenn also das Geheimnis der Langeweile ist, alles zu sagen, alles zu zeigen, muss es in einem aufregenden Festival darum gehen, eine pointierte Auswahl zu zeigen

mit klaren Blick
auf diese Welt
auf das Kino.

Pointiert heißt nicht „klein”. Und es geht mir im Übrigen nicht darum, das „Leichte” und das „Schwere” auseinander zu dividieren, oder eine Hierarchie aufzumachen zwischen verschiedenen Arten, Filme zu machen.

Ich will ein Festival, das sich leidenschaftlich für den deutschen Film interessiert – was mit Quantität übrigens nichts zu tun hat – und ihm internationale Aufmerksamkeit verschafft, denn ohne den Sauerstoff internationalen Interesses kann der deutsche Film nicht reifen. 

Ich will ein Festival, das der Auseinandersetzung mit der ganzen Geschichte des Films mehr Raum gibt als zuletzt. Ich will eine Retrospektive, in der Geschichte als Bewegung zu begreifen ist, die die Gegenwart mit bestimmt. 

Ich bin mir auch darüber klar dass eine Diskussion über die Berlinale nur ein Ausschnitt einer größeren Diskussion ist welche um die Grundlagen künstlerischer Produktion in unserem Land geführt werden muss, und um den Zustand, die Potentiale und das Wohin dieser Gesellschaft.

Ich sehe es so: meine Unruhe ist die Unruhe dieser Zeit – die natürlich auch in der Berlinale ihr Echo finden muss



Danke.


Diese kurze Vorrede habe ich zusammen mit Thomas Heise geschrieben und verlesen, gestern am 4.12.2017 im Haus der Kulturen der Welt, anlässlich der vom BKM veranstalteten Diskussion, die wiederum Reaktion auf den im Text zitierten Brief der Regisseurinnen und Regisseure war.

*)


Die Unterzeichner des oben zitierten Briefes sind:



Maren Ade
Fatih Akin
Thomas Arslan
Anne Zohra Berrached
Bettina Böhler
Hermann Bohlen
Jan Bonny
Jutta Brückner
Dietrich Brüggemann
Florian Cossen
Ebbo Demant
Doris Dörrie
Andreas Dresen
Maximilian Erlenwein
Katrin Gebbe
Stephan Geene
Hans W. Geißendörfer
Almut Getto
Ulrich Gerhardt
Hans-Dieter Grabe
Dominik Graf
Valeska Grisebach
Henk Handloegten
Thomas Heise
Sonja Heiss
Benjamin Heisenberg
Christoph Hochhäusler
Barbara Junge
Winfried Junge
RP Kahl
Fred Kelemen
Barbara Klemm
Michael Klier
Ulrich Köhler
Nicolette Krebitz
Lars Kraume
Stefan Kriekhaus
Michael Krummenacher
Jakob Lass
Tom Lass
Aron Lehmann
Caroline Link
Max Linz
Pia Marais
Jeanine Meerapfel
Elfi Mikesch
Franz Müller
Peter Nestler
Asli Özge
Christian Petzold
Hans Helmut Prinzler
Lola Randl
Axel Ranisch
Edgar Reitz
Michael Ruetz
Helke Sander
Thomas Schadt
Sebastian Schipper
Volker Schlöndorff
Hans-Christian Schmid
Jan Schomburg
Maria Schrader
Robert Schwentke
Christian Schwochow
Jan Soldat
Maria Speth
Hans Steinbichler
Oliver Sturm
Isabel Šuba
Sven Taddicken
Tamara Trampe
Georg Stefan Troller
Simon Verhoeven
Irene von Alberti
Achim von Borries
Julia von Heinz
Rosa von Praunheim
Margarethe von Trotta
Nicolas Wackerbarth
Christian Wagner
Henner Winckler
David Wnendt